En Conversación con Carlos Cippelletti

El pianista, compositor y arreglista Carlos Cippelletti, es una joven promesa española, franco-cubana de la última generación de jazzistas afrocubanos nacidos fuera de la isla. Es dos veces ganador de la Beca de la Fundación Cultural Latin Grammy y cuatro veces ganador de la Beca AIE (Asociación de artistas e intérpretes de España). Obtuvo el primer premio tanto en el Concurso Festival Internacional de Jazz de Málaga, Portón del Jazz como en el 7º Concurso Internacional Virtual Jazz Club y fue premiado por su destacada trayectoria académica en la Universidad Alfonso X el Sabio.

En 2018, Carlos realizó una gira por Europa con la JM Jazz World Orchestra, la principal orquesta de jazz juvenil del mundo dirigida por el renombrado trombonista Luis Bonilla. En 2021 se graduó con una maestría en jazz latino de la Universidad de las Artes de Codarts en Rotterdam y recientemente recibió una codiciada Beca Fulbright para hacer una maestría en música-DMA en Nueva York.

Su más reciente proyecto y primer disco titulado HYBRID/C, es un proyecto de fusión musical y cultural con un punto en común que es la música afrocubana y el jazz. El jazz sirve de vehículo en este viaje a las raíces de la música cubana y la cultura afrocubana desde una perspectiva musical moderna. Nacido en España de padre cubano y madre francesa, las composiciones de Carlos Cippelletti reflejan sus diversas identidades. La tradición musical afrocubana, el jazz, el neo-soul y la música clásica se combinan para crear un sonido propio.

Es un placer presentar esta conversación/entrevista con Carlos Cippelletti.

Como entras en el mundo de la música? Cuéntame sobre tus años de formación. Quiénes han sido tus mayores influencias?

La Música en mi familia siempre ha estado presente. Mi bisabuelo por parte materna, Angel García Arévalo, fué compositor y catedrático en el Conservatorio de Teruel. Desde pequeño mi abuela me contaba historias suyas ya que además de ser un gran compositor y pedagogo tocaba en el Cine y el Casino de Teruel. (Cómo pequeña anécdota, hice una adaptación a jazz de un walts que compuso a mi bisabuela en una celda en Valencia durante la guerra civil española que tituló “Más Vale tarde que Nunca”, ya que siempre le prometió componerle una obra). Su piano todavía lo conservo y la tradición del piano en mi familia ha ido pasando de generación en generación aunque yo he sido el único desde mi bisabuelo que decidí hacer de la música mi modo de vida. El piano viene pues de la parte de mi madre, Eva Cippelletti García.

Mi padre Recaredo Pascual Colmillo, cubano natal de Santiago de Cuba, fue el subdirector del Fondo de Bienes Culturales en Cuba y dado su trabajo, aunque nunca fue artista, siempre tuvo gran fascinación por la cultura cubana y en especial por todo lo relacionado con el folklore artístico, religioso y cultural de ascendencia africana, Yoruba (Nigeria), Bantú (Congo) entre muchas otras. Como el decía “yo no se tocar, pintar o cantar, pero bailando no hay quien me supere!” Trabajó con grandes artistas cubanos, con Manuel Mendive entre otros, y de ahí mi pasión por la música y el folklore afrocubano. En casa se podía escuchar Mozart, Bach o Chopin pero también se escuchaban Los Muñequitos de Matanzas, Omara Portuondo, Pablo Milanés, Isaac Delgado, Rubén González, Emiliano Salvador, Irakere y sobre todo se escuchaba Bebo Valdés y Chucho Valdés. A los 10 años tuve la dicha de ir a un concierto que dieron a dúo en su gira de Juntos Para Siempre. En ese momento pienso: “no se cómo pero quiero hacer esto”.

Cuéntame sobre tu madre.

Mi madre estudió piano clásico en el conservatorio de Paris y con 6 años comencé con una educación clásica. Pero desde pequeño me encantaba tocar por encima de grabaciones de música cubana y jazz que ponían mis padres en mi casa. Decidió que quería que desarrollase mi faceta creativa y fue cuando a los 10-11 años comencé estudios de música moderna paralelamente al clásico de manera no reglada. Conforme pasaban los años mi afición por el jazz y la música cubana y su folklore no hacían más que agrandarse y se evidenciaban de manera natural e inconsciente en mi manera de tocar y componer. A los 13 años viajo a Portland, Estados Unidos como estudiante de intercambio de inglés con el colegio y caigo casualmente en una familia de músicos y el padre de esa familia me lleva a mi primer concierto de Big Band en Seattle. Ahi mismo me prometí a mi mismo que volvería a los Estados Unidos para tocar algún día allí. Descubro discos de Miles Davis, John Coltrane, Mccoy Tyner, Bill Evans, Kenny Garrett entre otros que no paré de escuchar. A los 18 años me voy a Barcelona a terminar mis estudios profesionales al Aula de Jazz del Conservatorio del Liceu, centrándome sobre todo en estudios de jazz.

Qué papel juega Pepe Rivero en tu formación como músico?

A los 20 años me presentan a la persona que cambiaría mi carrera y mi manera de tocar, componer y como el dice “desarreglar”: Pepe Rivero. Sigue siendo una de mis mayores influencias y creo que eso va a ser así de por vida. Durante 3 años realizo mis estudios con Pepe Rivero en Madrid y aquí es donde realmente logro profundizar y estudiar el pianismo cubano, su tradición y folklore todo esto junto al jazz donde toco, conozco y recibo clases de muchos de los maestros que hoy conforman mi proyecto HYBRID/C: Bobby Martínez, Manuel Machado, Reinier Elizarde “El Negrón”, Yuvisney Aguilar y Georvis Pico.

En 2019, a los 23 años me gradúo con Pepe Rivero como Maestro y me mudo a Rotterdam para realizar mi Master enfocado en la música latina y donde desarrollo mi tesis basada en mi album HYBRID/C. Llega la pandemia en medio de mi Maestría en Rotterdam y cuando el mundo parece pararse y gracias a un concurso que gané (7 Virtual Jazz Contest) tuve la oportunidad de entrar en contacto con el sello discográfico que hoy me representa, OutHere Music. En medio del caos mundial decido entonces sacar adelante todas mis composiciones y realizar este álbum HYBRID/C reuniendo a algunos de mis músicos favoritos de distintas generaciones.

Al terminar mi Maestría me otorgan la Beca Fulbright para realizar mi segundo Master en los Estados Unidos que comenzaré en Septiembre 2022. Finalmente cumplo la promesa que me hice a mi mismo cuando era pequeño y me mudo a este país donde tendré la oportunidad de no solo ampliar mi formación sino también llevar HYBRID/C a otra escala y aprender de la pedagogía americana con el deseo de contribuir a la preservación y desarrollo del jazz y la música latina en el mundo.

En que momento decides que la música es el camino a tomar y que quieres ser un artista. Empiezas a trabajar por ello desde temprano? Fué algo consciente o más bien una cosa te llevó a la otra y de repente te ves convertido en músico profesional?

Creo que no fue consciente o inconscientemente que de repente me vi convertido en músico profesional… fué un poco ambas. Desde pequeño he sido alguien muy curioso y creativo y siempre lo he notado incluso en mi manera de relacionarme con los demás. Uno de mis recuerdos más antiguos es de la guardería cuando el resto se iban a jugar y yo me quedaba pintando. Un compañero me movió el brazo bruscamente y en vez de enfadarme miré el dibujo y me di cuenta de que la nariz que estaba pintando estaba perfecta, había descubierto la perspectiva. Con esto quiero decir que siempre he sentido una necesidad y casi una responsabilidad por dedicarme al arte. Nuestra vocación muchas veces se manifiesta en nuestra etapa más temprana e inocente, en nuestra infancia. Trato de no perder esa ilusión de niño que finalmente es lo que se convierte más tarde en mi vocación, profesión y ahora es practicamente un cometido o devoción. Mis padres se conocieron gracias al arte y siempre pienso que me dedico a esto como celebración de mi propia vida o existencia. En mi caso ha sido la música la faceta que más he desarrollado, puede ser otra la que sea, pero recurro a ese pensamiento más inocente/inconsciente o natural que es finalmente lo que conforma nuestra esencia, debemos conservarla, cuidarla y trabajarla.

Hybrid/C es un álbum épico, lleno de simbolismo, de imágenes y figuras musicales provenientes sobre todo de la tradición y cultura Yoruba, las cuales se encuentran profundamente enraizadas en la música Cubana, en el jazz Afro-Cubano, en el cual navegas como pez en el agua. Mis felicitaciones por este proyecto que a la vez captura la tradición y la combina con la modernidad para presentar un trabajo relevante, con mucho respeto y con una madurez sorprendente. Cuéntanos cómo nace este proyecto y cómo enfrentas todos y cada uno de los desafíos para llevarlo a cabo.

Gracias por tus palabras que me halagan, ya que veo en ellas muchos de mis objetivos con esta música. Muchas de estas composiciones las realicé años atrás, en mi etapa como estudiante con Pepe Rivero, otras fueron más tarde incluso algunas meses antes de la grabación en pleno confinamiento, pero su desarrollo ha sido progresivo y han evolucionado mucho hasta lo que hoy se escucha y se ve materializado. Efectivamente la tradición y cultura Yoruba y el simbolismo que incluye este álbum es muy grande. Es un homenaje a mis raíces, a las de muchos de los músicos de este álbum y es también un homenaje a todos los hijos de cubanos que hemos nacido en el extranjero y que queremos conservar el legado cultural de Cuba que aquí se ve referenciado por el sincretismo de las religiones Yoruba y Bantú entre otras. Mi padre fue palero en cuba, religión procedente del Congo y de aquí nace mi interés por esta cultura espiritual.

Hace cuatro años (2018) Pepe (Rivero) entró en la clase con un papel que se encontró y me dijo: “preséntate a esto nunca se sabe”. Era un concurso que se llama 7 Virtual Jazz Contest. Me presenté y me olvidé de él la verdad!! Meses más tarde me contactan para informarme que lo he ganado y que tendría un año de guía con Taklit, una agencia de Publishing y Management. Me contacta la Manager y me dice “Me encanta tu música! Crees que estás preparado para grabar tu primer disco?” a lo que asiento sin tener mucha idea de todo lo que conllevaría realmente. A los 23 años diseño este proyecto en formato de sexteto, se lo proponemos al sello OutHere Music y les encanta la idea.

En septiembre 2019 me mudo a Rotterdam, donde conozco a otros músicos increíbles de mi generación y decido aumentar la cantidad de músicos añadiendo sintetizadores y electrónica. Decido entonces que quiero que sea un disco conceptual, espiritual y que reúna distintas generaciones de músicos de distintas procedencias pero con un punto en común que sea el jazz y la latinidad. Incluso decido incluir a la cantante de flamenco María José Llergo para que el álbum sea un verdadero homenaje a todas mis raíces.

Marzo 2020: Empieza la Pandemia

En Marzo 2020 se declara la pandemia y me quedo confinado en Rotterdam organizando durante 5 meses la grabación. El mundo se paraliza pero trato de darle la vuelta y verlo como una oportunidad enorme ya que le dediqué mucho tiempo y minuciosidad a las composiciones y arreglos. Todos los sonidos de sintetizadores y audios de Lázaro Ros los editamos el teclista de HYBRID/C Gregorio Herreros y yo a distancia con reuniones online. Tengo mucho tiempo para componer, arreglar y organizar la grabación en Madrid pero con un impedimento, todo esto debo hacerlo desde una habitación en Holanda sin acceso a un piano de verdad. (La historia de mi bisabuelo se repite en cierto modo!) Organizar la grabación de un primer álbum ejerciendo uno mismo como compositor, arreglista, productor e intérprete es un reto. Pero si se le suma una pandemia mundial se convierte en una historia digna de contar!

Dada la pandemia encontrar una sala de ensayo fue un trabajo que costó meses. Todo debía prepararse previamente a la perfección, incluso la claqueta y las plantillas de grabación con el Ingeniero de sonido Pablo Sánchez Soto. Todo debía estar organizado a la perfección para que se pudiese grabar en tres días. Organizar una grabación en estas condiciones fue como planear uno de los robos de la serie “La Casa de Papel”.

Escogencia de los Músicos / Organizando los Ensayos

Logré reunir a muchos músicos de distintos estilos y procedencias y con composiciones y arreglos muy complejos… organizar la logística en esa situación fue un reto, sobre todo para traer los tambores Batá que viajaban desde Luxemburgo. Las medidas eran aún mas estrictas. Tuvimos tres días para ensayar antes de la grabación, no pudimos ensayar tanto como nos gustaría pero la energía era tan buena que estaba convencido que saldría bien. Llego en Agosto para grabar sin haber tocado un piano de verdad en 6 meses y lo primero que toco es un Steinway gran cola… te puedes imaginar el respeto. Grabamos el disco en tres días, y hubo muchas tomas únicas de solos e incluso de temas completos como “Black Ballad” que prácticamente no pudimos ensayar. La energía fue tan grande y positiva que todo lo que tocamos en este disco es de una pureza y honestidad total y absoluta. La grabación se convirtió en una fiesta. Todos estábamos conectados y entendimos que este álbum era más que música, es un homenaje a nuestras raíces desde una perspectiva actual vista desde el prisma del siglo XXI, con diversidad, distintas generaciones trabajando juntas, con folklore, jazz, electrónica y también flamenco.

Postproducción / Importancia de los Videoclips

Una vez la grabación realizada toda la postproducción la hicimos a través de meetings online ya que cada uno estaba nuevamente confinado en su ciudad o incluso país, conmigo de vuelta a Holanda. El diseño de la portada por Sophie Morisson Tansini también se hizo online, lo cual fue un verdadero reto ya que el simbolismo en la portada es muy grande.

Otra parte importante del proyecto son los videoclips. Durante la propia grabación del disco se realizaron dos videoclips en directo, un making of y más tarde, unos meses antes del lanzamiento del disco en 2021 un videoclip con bailarines coreografiado por mi hermana Eva Cippelletti.

El Reto Más Grande: Mi Padre se Transforma en Música…

Pero el mayor reto de todos estaba por venir. El lanzamiento del álbum fue el 24 de Septiembre de 2021, dos meses antes mi padre enferma por COVID-19. Mi hermana graba el videoclip de “Dinza” con los bailarines mientras él está ingresado y yo me voy a un concierto a piano solo que tenía en Italia el día 4 de Agosto de 2021 porque dice que “me va a cambiar la vida”. El mismo día de mi concierto entra en estado critico y hay que intubar. Días después de volver de mi concierto en Italia, el 11 de Agosto de 2021, un mes antes del lanzamiento de HYBRID/C, mi padre se transforma en música. Sin duda este es el mayor reto de todos, pero me hace pensar que él está inmortalizado en esta música, que forma parte de algo que diseñamos más allá de mi homenaje cultural. Finalmente quiero contar esta historia ya que además del homenaje musical a mis raíces y al mestizaje, también quiero dedicárselo a todas las personas afectadas por esta pandemia del COVID-19 y animar a cualquier persona en una situación similar a que construya su propio homenaje.

Los músicos que te acompañan en Hybrid/C juegan un papel muy importante en el producto final…

Efectivamente los músicos de HYBRID/C son todos de una calidad extraordinaria y reunirlos a todos ha sido una verdadera bendición. Algunos de ellos he tenido la suerte de tenerlos como maestros y otros han sido compañeros a lo largo de mi carrera. Son todos algunos de los artistas más referentes del jazz y jazz afrocubano internacional. Algunos de ellos han sido y son miembros de bandas muy reconocidas como Irakere, Jaco Pastorius, Chucho Valdés, Ara Malikian, Paquito D’Rivera por decir unos pocos, además de sus propias carreras ya que esta banda realmente está formada por grandes solistas de distintas generaciones y estilos que nos hemos unido para crear algo único y orgánico. Esto es lo que me ha permitido mezclar distintas sonoridades, estilos y géneros en una especie de receta que incluye en distintos planos la tradición, el folklore, la fusión y lo contemporáneo.

Carlos Cippelletti (Piano, Composition, Arrangements)
Bobby Martínez (Tenor Sax / Soprano Sax)
Manuel Machado (Trumpet)
Reinier Elizarde (Double Bass)
Georvis Pico (Drums)
Erik Larrea (Batá Drums / Congas)

Guest Artists:
María José Llergo: vocals (on track 1 & 10)
Yuvisney Aguilar: batá drums / congas / vocals (on track 4)
David Lorenzo Adkinson: sound design vocal effects (on track 9 & 10)
Alvaro Artime: trumpet (on track 7)
César Filiú: alto sax (on track 7)
Christian Murgui: bass clarinet (on track 1 & 10)

La escogencia de las voces y cantos (plegarias) son muy acertadas. Qué nos puedes decir al respecto?

Las plegarias son extractos de audios, principalmente Moyugbas, de Lázaro Ros, un célebre akpuón cubano que he estudiado mucho y por el que siento una admiración muy especial. He estudiado muchos de sus discos y tocado por encima para llevar el batá al piano, y muchas veces practicaba encima de sus Moyugbas ya que son solo voz y me permitía componer con libertad. El album comienza con un tema que se llama “Moyugba”, es claramente una declaración de intenciones y un aviso de que HYBRID/C es un viaje y casi una ceremonia espiritual. Cada tema está dedicado a una deidad del panteón Yoruba o por lo menos el mensaje que lo esconde detrás del significado de los títulos. Por eso, muchos temas incluyen extractos de plegarias de Lázaro Ros en las que implora a los Orishas. Podría haber contado con otra persona para cantar o pronunciar estas plegarias y luego editarlas, pero bajo cualquier cosa quería conservar la pureza, la esencia y la fusión del folklore con lo moderno. Por eso decidí utilizar extractos de una de las figuras que más ha difundido el patrimonio Yoruba y sincrético de Cuba como lo es Lázaro Ros, modificándolos en su justa medida con efectos electrónicos.

Finalmente en el último tema “The Proverb” que cierra el album, escojo un audio de un sacerdote Yoruba de Nigeria “Okuku” del documental “The Return of the Drums”. Me puse en contacto con el productor Nigeriano Opubo Braide y con el Doctor Ivor Miller, que dirigieron el documental, para usar este audio tan mágico que habla de la necesidad de conservar las raíces de nuestros antepasados pese a que el mundo cambie y evolucione. Estos audios me han servido para llevar la música a un punto más espiritual, en una forma circular y orgánica similar a la de una misa o ceremonia espiritual.

La influencia de Chucho Valdés e Irakere está presente en tu música, pero más que Irakere siento el espíritu vivo de Chucho y sus Afro-Cuban Messengers (formato de sexteto de jazz Afro-Cubano), el cual te sirve de punto de partida para realizar tus exploraciones. Percibo la espiritualidad de Roberto Fonseca, Omar Sosa…

Muchos músicos tendemos a ocultar nuestras influencias cuando se trata de comparar directamente nuestra obra con la de aquellos a los que tanto admiramos. Ese no es mi caso. Cualquier intento de ocultar estas influencias sería ridículo por mi parte! Uno de mis discos favoritos de Chucho Valdés es justamente el de Border Free con los Afro-Cuban Jazz Messengers que como bien dices me sirve de punto de partida. Como dije antes el proyecto comenzó siendo un sexteto pero terminó incluyendo hasta 12 personas ya que poco a poco fue convirtiéndose en algo cada vez más conceptual, fusionado y orgánico. Escogí la fusión del jazz con los batá y la orquestación afrocubana al puro estilo de Irakere, el ritmo del batá en el piano como en los Afro-Cuban Messengers y le sumé otro músico que cumpliese con la parte espiritual de Omar Sosa a través de la electrónica y la parte más Neo-Soul o Hip-Hop con los sintetizadores y electrónica. La influencia espiritual que invita a una ceremonia está muy influenciada por la “Misa Negra”. Finalmente quise incluir un guiño a la música clásica que aparece en “Moyugba” y “The Proverb” al incluir un clarinete bajo que recuerda a la música de cámara, y tambien en la parte de piano solo del final de “Aite” que es un extracto del final del segundo movimiento de la Sonata para Piano y Viola de Rubinstein (Op.49).

El uso de elementos sonoros electrónicos, teclados, sintetizadores crea una atmósfera muy especial y excitante…

Cuando diseñaba y componía este álbum, trataba de imaginarme a mis músicos favoritos tocando juntos y creando algo único y orgánico. Poco a poco la música fue pidiendo más opciones, por lo que le sumé un clarinete bajo (Christian Murgui) en el tema que abre el album [“Moyugba”], y el que lo cierra [“The Proverb”], para traer un poco el sonido de la música de cámara al jazz afrocubano que incluso tiene ciertos aires a banda sonora de película. Finalmente me faltaba algo que hiciese cantar, una voz que transmitiese las raíces españolas y árabes, y sin duda la voz de María José Llergo fue la mejor opción. Finalmente otros elementos que introduje en esta música fue las armonías que vienen traídas del Neo-Soul de artistas como Robert Glasper y efectos electrónicos y ritmos de batería más propios del hip-hop mezclados con percusión como se puede escuchar en artistas como Miles Davis o Christian Scott. También he querido jugar con las amalgamas o compases complejos con el fin de proponer variaciones pactadas de la propia clave y de toques batá tradicionales adaptados a las amalgamas. Toda esta fusión conforma musicalmente HYBRID/C.

Chucho Valdés ha dicho sobre HYBRID/C que “Este disco es un trabajo de profunda inspiración basado en las raíces afrocubanas y el Jazz, realizado con gran calidad e impecable desarrollo por un joven artista con una prometedora y hermosa carrera musical por delante”.

Contar con el apoyo y reseña del maestro más influyente y que más admiro de este género, como es Chucho Valdés, es sin duda un elemento clave del respeto y homenaje que quiero mostrar por esta música y su legado.

Te mudas en unos meses a Nueva York, ya que recibiste la prestigiosa beca Fulbright. Que significa o significará este paso en el avance de tu carrera musical?

Me mudo a Estados Unidos en Agosto de este año, 2022. No he estado nunca en Nueva York y para mi la beca Fulbright es un impulso muy grande en mi carrera ya que como dice la propia Comisión Fulbright, “Fulbright es mucho más que una beca”. Este paso significa un gran avance ya que me va a permitir llevar mi obra a otro nivel, posiblemente más internacional. No sé lo que me espera y no sé si quiero saberlo! Lo que estoy seguro es que la diversidad que ofrece me va a cambiar la manera de entender la música y el jazz, comprender su tradición musical, y me va a brindar la oportunidad de conocer a grandes músicos y abrirme camino en la industria de la música… posiblemente sea el desencadenante de mi próximo proyecto? Quien sabe! Creo que es una ciudad muy vibrante que me va a permitir introducir y desarrollar mi obra de una manera mucho más amplia y explorar nuevos caminos.

Me imagino que prestas mucha atención al aspecto promocional de tu carrera, a tu presencia como artista en el mundo digital, en las redes sociales.

Comencé a tener redes hace unos años, cuando entendí que toda la promoción pasa principalmente por ahí. No incluyo ningún aspecto personal o de puro entretenimiento en ellas porque una de mis cosas favoritas es disfrutar de mi tiempo con mis amigos y mi familia, pero es cierto que son un método eficaz para divulgar la obra y conocer la de otros artistas o conectar con ellos. La mayor parte de mi tiempo en ellas las dedico a ver que es lo que está moviendo el arte en el mundo. No obstante, creo que todavía queda mucho por hacer para dar visibilidad a los artistas y conversando con mis compañer@s artistas se comentan muchos de los aspectos que quedan por corregir. No es suficiente con un hashtag, tampoco con etiquetar a alguien. La cantidad de material que un músico puede compartir en las redes sociales muchas veces es limitado ya que se tardan meses, incluso años en desarrollar un video de una composición que posiblemente no se haga viral. Es apostarlo todo a una sabiendo que posiblemente tras todo el tiempo, esfuerzo y dinero invertido muy poca gente vaya a compartirlo. Sin embargo está en la responsabilidad de los artistas compartir material de calidad y de hacer que el mismo quede perenne en las redes más allá del alcance que pueda tener… si es bueno confío en que siempre tendrá éxito de una forma u otra porque es una obra sincera. Los músicos trabajamos con el sonido y las redes han hecho que el sonido entre por los ojos antes que por los oídos. Esto tiene sus ventajas y sus inconvenientes, en mi caso trato de transformarlo en algo positivo lanzando una propuesta conceptual ya que creo que es a lo que tiende la industria artística en general. Ya no basta con ser un buen músico, intérprete, un buen pintor, bailarin@ diseñador@ etc., uno debe desarrollar un producto completo y diverso que entienda la globalización como algo positivo al alcance de tod@s. En este sentido se cruzan dos parámetros que se han impuesto como garantía de calidad: uno es el propio producto (música, pintura, danza etc.) el otro son los seguidores (redes sociales). Está en la responsabilidad del artista velar por la calidad del primero, y en la de las redes sociales facilitar la difusión y visibilidad en lo segundo.

En esta época en que el disco compacto se vende mucho menos que antes y que las grandes compañías de transmisión de música en línea (streaming) no hacen mucho por la promoción de los artistas y de su música (y tampoco les compensan a como debieran), como ves el futuro de la industria musical en general?

He aquí el dilema del streaming! El siglo XXI marca un antes y un después en la industria de la música. Sin lugar a dudas los artistas todavía estamos aprendiendo cómo se comportan y las plataformas también lo hacen con nosotros. El mundo tiende a una desmaterialización general que se hace notar en la industria del arte, y eso es en gran parte positivo porque es más ecológico y contribuye a una accesibilidad enorme y universal sin discriminar al consumidor. Todos tenemos acceso a la misma cantidad de información, en este caso música, cuando queramos y donde queramos. ESO ES GENIAL! LO HEMOS CONSEGUIDO! Pero aquí hay un conflicto entre el avance científico y el arte que debe aclararse de manera a trabajar conjuntamente y contribuir al beneficio común. La ciencia siempre va por delante de cualquier regulación imaginable, lo cual está bien porque contribuye a una mayor flexibilidad para el desarrollo de algo tan positivo como las plataformas de streaming. Sin embargo una vez estas cumplen su función, hay que encontrar la manera de regularlas con el fin de facilitar a los artistas ingresar una cantidad proporcional a su alcance, que se mide en oyentes y reproducciones, y a lo que antes correspondía el formato físico. Si nos damos cuenta, a diferencia de antaño, los artistas cada vez utilizan más el formato de “single” antes de lanzar un álbum. Esto es porque el tiempo y la cantidad de trabajo que hay detrás es mucho mayor al que era antes ya que se genera todo un producto y una infrastructura alrededor de ese “single”. Es difícil imaginar una sociedad artísticamente desarrollada si los artistas no perciben la parte proporcional de su aportación como tal, pero estoy convencido de que este es un camino largo por recorrer y que es fruto de una sociedad tecnológicamente cambiante, que progresa y avanza pero que debe incluir poco a poco los derechos de los artistas con el fin de contribuir a la preservación y el desarrollo del arte y de los artistas.

Háblanos acerca del aspecto educacional en tu carrera, al cual veo le prestas la atención que se merece.

La pedagogía siempre me ha interesado, tanto como alumno como a aspirar a ser un buen maestro. He tenido la suerte de viajar y formar parte de buenas universidades y conservatorios de música en Europa (Barcelona, Madrid y Rotterdam) a la vez que he logrado el apoyo de becas como la AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España) y la Latin Grammy Cultural Foundation, que han permitido pagar gran parte de mis estudios. Siempre me ha interesado el mundo institucional y pedagógico. Hay dos maneras principales para mi de aprender, una es con maestros que le inspiren a uno, generalmente vinculados a instituciones académicas y otra es poniendo en práctica esos conocimientos – experiencia e iniciativa para crear proyectos.

En mi Master en Codarts University of The Arts en Rotterdam, desarrollé mi tesis basada en mi album HYBRID/C: “From Afro-Cuban folk to Modern Jazz: Tradition and Avant-garde of a Genre”. Gracias a las guías que he recibido de mis maestros Pepe Rivero y Bobby Martínez entre otros, considero haber desarrollado una perspectiva empática y crítica, lo que me ha permitido proyectar mi personalidad con una intención proactiva y un enfoque comprometido con los problemas reales que supone la pedagogía y la preservación de la música latina.

Ahora la beca Fulbright me va a permitir llevar esta inquietud por la academia a otro nivel.

Un Nuevo Ejemplo de Instrucción Musical

Existe la necesidad de un nuevo ejemplo de instrucción musical, un modelo para artistas del futuro que entiendan la centralidad de sus roles. Dada la importante contribución del Jazz y la Música Latina a la cultura mundial, mi objetivo es formular métodos innovadores de preservación y desarrollo de este género artístico. El concepto triple del Master, y DMA (Doctor in Musical Arts) si logro hacerlo en “Performance, Composition and Pedagogy” en Estados Unidos hará de mí “el artista completo”, destacando igualmente como intérprete, compositor, arreglista, maestro, director de talleres y clínicas, y profesor, con el propósito connatural a mi trayectoria y personalidad de perpetuar y desarrollar esta forma de arte en España y Europa.

Con el fin de expandir mi carrera como artista y contribuir al impulso, desarrollo y preservación del Jazz y la Música Latina en instituciones internacionales, voy a ampliar mi formación con la visión emprendedora y pedagógica que se ofrece en los Estados Unidos.

A lo largo de mi proceso formativo, la composición musical ha sido tan fundamental y significativa como la interpretación. A pesar de estudiar simultáneamente música Clásica, Jazz y Música Cubana, influido por el legado cultural recibido directamente de mi padre, que nació en Cuba, siento la necesidad de ir más allá de mi papel como pianista uniendo estos elementos desde un enfoque más moderno e híbrido, que entienda por igual la importancia del nivel como artista, profesor y emprendedor. Con este objetivo, ampliar mi formación como compositor e intérprete y trabajar con músicos norteamericanos es un paso imprescindible en mi trayectoria, para aplicar los métodos pedagógicos de sus instituciones y empresas a las nuestras en Europa y en mi caso España.

Me doy cuenta que tienes grandes expectativas en tu próxima experiencia educativa en Estados Unidos…

Estudiar en los Estados Unidos es una oportunidad única para impregnarme de la variedad cultural así como de la esencia del jazz. Además, supondría estar en contacto directo, como músico y alumno, de los referentes artísticos que siempre he admirado.

El arte ha estado siempre presente en mi vida, ya que por el lado materno, mi bisabuelo fue pianista, compositor y catedrático del Conservatorio Superior de Teruel, lo cual puede haber alimentado inconscientemente mi interés educacional.

Debido a mi entorno familiar, siempre he sentido curiosidad por las distintas culturas. Con 16 años tuve la oportunidad de participar como expedicionario becado por una composición original en la Edición de la Ruta Quetzal por Colombia y España. Durante el viaje conocí a otros jóvenes de 50 nacionalidades distintas. Del mismo modo he participado en distintos seminarios de Jazz en el extranjero como el de Berklee College of Music de Boston, en Perugia (Italia), y en una gira en los Balcanes con la JM Jazz World Orchestra, entre otras experiencias en el extranjero que me han hecho una persona abierta, flexible y curiosa.

Cuentame sobre la gira con la JM Jazz World Orchestra.

Durante esta gira, tuve la ocasión de mezclarme con algunos de los alumnos más prometedores de universidades tan relevantes como la Manhattan School of Music, Julliard o Temple. Sin duda esto alimenta mi interés por incrementar mi formación en universidades americanas, ya que cuenta con la calidad, la diversidad y el emprendimiento necesario que aspiro promover al regresar a España.

Cuales son tus planes para el futuro?

En el futuro, quiero participar en los proyectos más relevantes del panorama del Jazz Latino, con intención de adaptarlos e incluirlos localmente en zonas específicas de Europa. Esta labor requiere una formación sólida e híbrida que me permita ir más allá de los límites de una única disciplina.

Hay algo en la música y el folclore cubano y la música iberoamericana en general que parece interesar tanto a los músicos de jazz más tradicionales como a la vanguardia. Para quienes sienten esta afinidad por este género, su fusión con otros géneros es sin duda un apasionante tema de estudio. Esta es una oportunidad para profundizar mi investigación desde una visión más específica emprendedora y pedagógica con el fin de formular métodos aplicables a este género. Representar a mi país en la escena del Jazz nacional e internacional, es una oportunidad única para desempeñar la importante tarea de tender lazos entre la comunidad del Jazz Norteamericano y el Jazz Latino. En mi caso, esto implicaría contribuir a impulsar nuevas instituciones y estudios de música universitarios entre España y Estados Unidos. En este sentido, la formación americana es ideal para mí, ya que se enfoca en una pedagogía que busca crear vínculos culturales y artísticos de interés institucional y profesional común, que aspiro llevar a cabo a mi regreso a España.

Fotografías cortesía de Carlos Cippelletti

• Interviews: In Conversation with Carlos Cippelletti
• Music Playlists – Carlos Cippelletti: HYBRID/C
• Artist Profile: Carlos Cippelletti